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Por fin estaba ahí. No me alcanzaban los ojos para ver el despliegue del show. Me impresionaron mucho las parrillas de luces, y todos los recursos técnicos que había en el escenario. A ambos lados del mismo, dos operarios de luces se subieron, o mejor dicho fueron elevados, en unos pequeños andamios a lo más alto de la parrilla.

Pasó el show de Paul Oakenfeld, el DJ invitado, sin pena ni gloria. La gente aplaudía tibiamente y se animaba un poco más cuando el tema era conocido. Todos queríamos verla a ella. Por fin los muchachos de las luces comenzaron a hacerle señas al público, que se anime, que aplauda que estaba por salir Madonna a escena.

El recital arrancó con toda una intro de Candy Shop, con imágenes de una bola de caramelo que rodaba por unas pasarelas, me hizo acordar a Charly y la fábrica de chocolate. Lo que han hecho con esas pantallas de led que servían de fondo al escenario es impresionante. Las movían como querían, por partes se desplazaban para arriba, o en su totalidad. Se ubicaban hasta formar un cubo, o se juntaban para hacer una pantalla extragrande, según la coreografía del tema lo requiriera.

No llores por mi, Argentina.
A Madonna la tenía ahí, a 5 metros. La noche que yo estuve cantó, por única vez en toda la gira, creo “No llores por mi Argentina”. Sentía como si me lo cantara a mi cuando se aproximaba a la parte delantera de la pasarela.

Un par de perlitas: Cantando Candy Shop pareció en un momento que se equivocó la letra, porque se perdió totalmente de la letra original. Y cuando cantó “Devil wouldn’t recognize you” ella aparece dentro de un cilindro semitransparente de leds. Es impresionante verla. Se eleva desde el centro de la pasarela, envuelta en una capa violeta, sobre la tapa de un piano. Bueno, en ese momento, al querer sacarse la capa, el velcro le falló y no se la podía sacar, luchó con esa capa por unos cuantos segundos. Y además, el cilindro no subía nunca. Se suponía que después de la intro, sube, para que ella siga cantando montada en el piano. Pero en este caso, le falló ese detalle. Cantó todo el tema dentro del cilindro.

En resumen: fue una noche maravillosa y única. Espero no tener que esperar otros quince años para volver a verla.

Comenzaron pensando que serían unas cuantas semanas, pero en Madrid arrasaron y ahora van por el mismo camino en Barcelona. Y es que un reparto que incluye a Maribel Verdú, Aitana Sánchez Gijón, Pere Ponce y Antonio Molero… no puede dejarse escapar.

Yasmina Reza vuelve a estar detrás de este éxito de la cartelera teatral española, que habla de la doble moral y de que las apariencias engañan, casi siempre.

Dos matrimonios de clase media-alta, comprensivos, correctos, cultos se reúnen para tratar una pequeña disputa sin importancia, o eso parece en un principio, entre sus hijos. Pero bajo la careta de lo políticamente correcto ocultan una crueldad y un salvajismo sorprendente. La autora Yasmina Reza vuelve a forzar las tuercas de sus protagonistas en “Un dios salvaje”, una comedia mordiente centrada en el mundo de la pareja. Un atrayente intercambio de golpes bajos entre gente aparentemente preparada.

Exquisita educación aunque envenenada

La excusa, como comentábamos, es una pelea infantil entre los hijos de las respectivas parejas. Los padres de ambos se reúnen para remediar el conflicto, y acaban manifestando unas formas aún más venenosas e incongruentes que sus hijos. Las personas aparentemente civilizadas son las que acaban sacando lo peor que tienen en su interior, esa parte oscura, que mal que nos pese, no son más que auténticas verdades.

El personaje de Maribel Verdú no es en absoluto lo que aparenta. Una mujer que da ina imagen tímida y sumisa frente su marido pero que saca sus demonios internos y sus más bajos instintos, y expulsa de una sola vez todo lo que tiene dentro desde hace mucho tiempo.

Políticamente correcto o no

El de Aitana Sánchez Gijón es simplemente lo que aparenta, aunque la transformación posterior es aún peor. Una mujer que se siente moralmente superior al resto del mundo y que presume constantemente de una erudición y tolerancia incorruptibles. Cada uno de los matrimonios se encarga de juzgar al otro en su manera de actuar como padres y llegan a desmedidos extremos de crueldad que son recibidos por el público con enormes carcajadas. El libreto de Jordi Galcerán resulta muy fiel al original y junto a la calidad interpretativa de los actores protagonistas ha permitido dale numerosos giros a la historia.

Tras su paso por Madrid el montaje se ha trasladado hasta Barcelona, en el Tívoli con representaciones hasta el 1 de marzo.

“Grease, el musical de tu vida” continúa con sus representaciones en Madrid inspirándose en la obra original que crearon Jim Jacobs y Warren Casey en 1971 y que se convirtió en uno de los musicales que más tiempo permaneció en la cartelera de Broadway, siendo premiado, nada más y nada menos que con 12 premios Tony, los más prestigiosos del género.

Se trata de un musical cuya principal característica es la espectacularidad, con música en directo y más de treinta artistas sobre el escenario. Para ello, cuenta con un equipo artístico capitaneado por Ricard Reguant en la dirección, Coco Comin en la coreografía y Manu Guix en la dirección musical, quienes, por supuesto también han bebido de las fuentes de referencia que les ofreció el film que protagonizaron en la década de los 80’ John Travolta y Olivia Newton-John.

En los montajes teatrales norteamericanos los papeles han sido interpretados por John Travolta, Richard Gere, Patrick Swayze, o Brooke Shields. En nuestro país desfilaron por los castings más de 1.000 aspirantes de toda España.

Una historia de amor atemporal

Pero si por algo destaca de verdad este musical es evidentemente su banda sonora, que cuenta con éxitos que se han convertido en clásicos y que, a día de hoy, suenan continuamente en cualquier parte del mundo.

La historia de Grease se inicia en febrero de 1971, cuando dos jóvenes actores, Jim Jacobs y Warren Casey, se inspiraron en sus tiempos de estudiantes de instituto para crear un espectáculo. El título es un recuerdo al estilo de vida de los jóvenes norteamericanos de finales de los años cincuenta y juega con los significados de la palabra “grease” que en inglés expresa, al mismo tiempo, “gomina” y “grasa”, haciendo referencia a la comida fast-food que empezaba a popularizarse en aquella época.

Triunfitos el escenario

Dos productores de Broadway, Ken Waissman y Maxine Fox no tardaron en darse cuenta de todo el potencial que tenía la obra y decidieron trasladarla a Brodway, no sin antes obligar a los creadores a cambiar en algo el guión original, añadiendo nuevos temas y dando mayor peso en la producción a la historia de amor entre Danny y Sandy.

En esta ocasión el personaje protagonista femenino, lo interpreta una cantante conocida por todos Edurne, participante del concurso musical Operación Triunfo, que en su primera incursión en el teatro musical sin duda sorprende por su perfecta unión con el personaje sobre el escenario, al igual que el resto de sus compañeros.

Si queréis comprobar lo que os contamos podéis hacerlo en el Nuevo Teatro Alcalá en Madrid.

Galerías, artistas y coleccionistas se dan cita cada año en una de las ferias de arte más importantes del panorama contemporáneo internacional.

Aproximadamente doscientas galerías y más de dos mil artistas mezclarán sus diferentes e incluso opuestas manifestaciones, en numerosos soportes, desde la pintura, la escultura, el arte digital pasando también por las performance.

Son ya tres décadas las que lleva ARCOmadrid como referente del mercado artístico internacional, promocionando las últimas creaciones contemporáneas y ofreciendo un punto de encuentro para aquellos que viven por y para el arte.

Este año la India es la protagonista del certamen, aunque se reunirán propuestas de más de 39 países.

ARCO 40

Esta sección de ARCOmadrid, forma parte del Programa General y está destinada a enriquecer la Feria con la presencia de galerías que aporten nuevas visiones del arte contemporáneo, mostrando un máximo de tres artistas, que hayan sido realizadas en los últimos tres años.

Solo Projects

Complementa al Programa General y a ARCO 40, ya que en este caso los proyectos son de un único artista, que generalmente suelen estar específicamente creados para la ocasión, habiendo sido previamente seleccionados por el equipo de comisarios internacionales de ARCOmadrid.

Expanded Box

Es el espacio de la Feria destinado a reflejar el proceso de continua expansión y evolución de las prácticas artísticas hacia nuevos formatos. Apuesta por las tendencias más actuales que exploran las influencias de las nuevas tecnologías en las artes.

Performing ARCO

En este caso se continúa con una práctica que comenzó en ediciones anteriores. De lo que se trata es de que los artistas visuales propongan obras en vivo.

ARCO Instituciones

Promueve y apoya la difusión de las entidades públicas y privadas que estén implicadas con el arte a través de colecciones de arte contemporáneo, espacios para exposiciones y que ofrezcan un apoyo importante a la creación.

Editoras

En esta sección se cuenta con prestigiosas editoriales y librerías de diferentes partes del mundo que están especializadas, obviamente en el arte contemporáneo.

Podremos estar más o menos de acuerdo con todo aquello que se exponga, pero lo que no podemos hacer es criticarlo sin acudir primero a verlo. Como cualquier otra manifestación artística, habár cosas que nos apasionen y otras que no nos produzcan ni frío ni calor, pero lo que está claro es que esta oportunidad solo la tenemos una vez al año y estaría bien aprovecharla.

En IFEMA del 11 al 16 de febrero

Conocimos a Javier Veiga cuando surgió el Club de la Comedia, el programa de monólogos que se encargaba de presentar el guionista gallego.

Hacía tiempo que no sabíamos de él (no porque estuviera en el paro, como tantos otros, sino porque su trabajo había dejado de ser público), pero llegó el momento de volver a verle. En esta ocasión con una tragicomedia teatral “Amigos hasta la muerte” dirigida, escrita e interpretada por él.

El estreno es hoy, en el Infanta Isabel, en Madrid. Con un reparto conocido: Melanie Olivares (la prostituta de Aída) y Jorge Sanz, además del propio Javier Veiga.

“Amigos hasta la muerte” es una comedia que habla de eso precisamente, de la muerte y una tragedia que habla de la amistad. Es la tragicomedia de un grupo de amigos y de sus ganas de vivir.

Humor, amistad, amor, muerte y tragedia

Javier Veiga comenzó a escribir “Amigos hasta la muerte” con la intención de que fuese una comedia. Eso sí, llena de humor negro, que hablase de la muerte en un tono distendido. Pero el objetivo, según el propio autor, era tan ambicioso como poco original: Reirse de la muerte.

Los protagonistas de esta historia, no son los héroes de una tragedia griega, ni los sufridores de un terrible culebrón televisivo, ni los estúpidos sin cerebro de una comedia de enredo… Son tres tipos normales, como el vecino del quinto, o el del asiento de al lado en el autobús. Tres amigos con una vida de lo más normal. Tres amigos a los que la vida, como en muchas ocasiones, pone a prueba.

Reírse de la muerte

El conflicto está se establece claramente desde el principio, dos hombre y una sola mujer… las cuentas cuadran rápidamente .. al menos un par de historias de amor. Nacho, Ángel y María. .. Tres amigos de los de siempre. Tres amigos inseparables… o lo mismo no. La historia de Nacho, Ángel y María se da la vuelta en el momento en el que menos lo esperan, lo que les obligará a replantearse su amistad, sus prioridades incluso, el verdadero sentido de sus propias vidas.

En un principio Javier Veiga no pensó en Jorge Sanz para el papel protagonista, pero ahora cree que no existe nadie que lo hubiera podido bordar como él. El trío protagonista comparte representante, pero además una estupenda relación de amistad, como los personajes de su obra, lo que hace que el trabajo sobre el escenario sea muchísimo más relajado.

Desde el 12 de febrero Sara Baras se atreve con un clásico, “Carmen”, en el Teatro Lope de Vega de Madrid.

Un personaje fuerte, de raza, pero en esta ocasión alejado de los estereotipos donde solo caben los sentimientos.

Una mujer independiente, apasionada, completamente liberada que vive la tragedia del amor. Llevado a nuestros días esta definición no sería extraña, pero la Carmen de Prosper Merimé vivió en otra época, muy diferente, donde tener esa actitud significaba poco más que estar endemoniada.

La máxima expresión del arte flamenco

La infinita capacidad de expresión que tiene el flamenco, unido a la fuerza que imprime Sara Baras en el escenario, como pocas, como nadie.

El espectáculo ya han podido disfrutarlo en París, Australia, Singapur o en el Liceo de Barcelona. La música de Paco de Lucía, Ara Malikian y Joan Valent entre otros. Un híbrido de danza y flamenco. Puro arte, pero sobre todo pura casta.

Sara Baras ha querido hacer de “su Carmen” una mujer que se aleja de los tópicos, para convertirse en una mujer elegante, a la que la bailaora ha querido defender. Carmen reivindica su derecho a elegir como vivir su propia vida.

Una “Carmen” diferente

Un escenario rojo, como la pasión, sobre el que se impone el negro de la elegancia y destellos blancos de pureza.

A Sara Baras la acompañan en el escenario los bailaores Luís Ortega y José Serrano, ocho músicos y un cuerpo de baile compuesto por 10 personas.

Inspirada en el montaje de Gades, la “Carmen” de Baras es más fresca y menos canalla.

El espectáculo está dividido en 3 actos:

• Carmen y Don José.

• Carmen y el torero.

• La decisión final.

La música mezcla el flamenco con el clásico, temas en directo con otros grabados por la Orquesta de la Academia del Gran Teatro Liceo de Barcelona.

La responsabilidad es enorme, más de 30.000 entradas vendidas antes de su estreno en el Lope de Vega de Madrid, en definitiva un éxito de público sin ni tan siquiera haberse subido al escenario. Solo la bailaora gaditana sabe conseguir eso.

Seguramente los seguidores tradicionales del flamenco puedan poner pegas, pero incluso para ellos será complicado. Ser demasiado innovadora le ha costado críticas, pero en ningún caso comparables con los halagos y los aplausos que ha arrancado al público que se acerca a verla.

Esa es una de las características que más la acercan al personaje, a “Carmen”, a su “Carmen”.

A nadie le sorprende que Blanca Portillo se atreva con cualquier proyecto que se le ponga por delante, ya que capacidades interpretativas le sobran, y las tiene más que demostradas.

Pero sorprende que en esta ocasión ose a reinterpretar uno de los clásicos, de la manera más rompedora, “Hamlet”. Ya en su momento, corrían los años 60, una auténtica dama de la escena de nuestro país, Nuria Espert, se atrevió con el príncipe de Dinamarca. En aquella ocasión los abucheos fueron más que sonados, aunque también es cierto que eran otros tiempos y escaseaba la libertad tanto de pensamiento, como de acción.

El nuevo montaje en el que aparece Blanca Portillo junto a otro impresionante actor, Asier Etxeandía, es uno de los que más expectativas a generado en la escena de nuestro país.

Montaje valiente

Portillo ha aclarado que lo que resulta más interesante del montaje no es tanto que una mujer interprete el papel de un hombre sino que se haga desde el punto de vista de una mujer criada como hombre y que es capaz de compartir ambas facetas.

Pero que Blanca haga el papel de un hombre no es lo único sorprendente, ya que el personaje de Claudio, habitualmente interpretado por un actor de edad madura, se encarga en esta ocasión alguien como Hugo Silva. O que el espectro del padre de Hamlet no sea otro que el también joven actor Asier Etxeandía.

Reparto joven pero de calidad

El reparto, curioso para una producción que tal vez tiene demasiados prejuicios sobre sus espaldas, lo completan la hija de Cristina Rota Nur Al Levi, Quim Gutierrez o Juan Diego Botto entre otros.

Davidelfín es el encargado del figurinismo, cosa que tampoco sorprende después de conocer algunos detalles del montaje.

Tomaz Pandur es el encargado de llevar al teatro de esta manera tan original uno de los clásicos de Shakespeare que más veces se ha adaptado e interpretado.

La mirada femenina que Blanca Portillo ha impreso al personaje de Hamlet y la dualidad entre ser hombre, sin serlo engañando al resto que desconocen su secreto es uno de las características más importantes, las que seguramente harán de “Hamlet” un auténtico éxito.

Muchos acudirán por el morbo, otros porque este montaje les apartará del miedo a los clásicos. No importa el motivo, el caso es que se acerquen hasta el teatro.

En las Naves del Matadero de Madrid hasta el 12 de abril.

Ha sido la sorpresa de la temporada. Un musical en el que los temas interpretados son canciones de la historia de la copla, una apuesta que a muchos les resultó tremendamente arriesgada pero que ha resultado ganadora.

El argumento es original, habla del único tema universal: el amor. De los que viven por y para el amor, de los que lo padecen, de los que están enganchados y no tienen intención de superar su adicción. Un grupo de personas cansadas de sufrir por amor deciden ingresar en una clínica de desintoxicación emocional. Allí una terapeuta se encargará de hacerles ver que el amor no es tan maravilloso como nos han hecho creer toda la vida.

El problema surge cuando todo se da la vuelta y el amor surge más fuerte que nunca entre los que  más renegaban de él.

Amor a no amar

Con una escenografía sencilla, un juego de luces fantástico y unas voces que ponen la carne de gallina, “Enamorados Anónimos El Musical” consigue que durante sus cuatro horas de duración disfrutemos al máximo de la copla, nos guste o no.

Quintero, León, Quiroga, Solano, incluso Joaquín Sabina son algunos de los responsables de los grandes éxitos que componen “Enamorados Anónimos El Musical”, incluyendo nuevas composiciones de Javier Limón y la grabación del maestro Paco de Lucía, que abre el espectáculo con uno de los grandes temas del repertorio popular español: “Romance de Valentía”.

Grandes maestros de ayer y de hoy

El éxito del montaje no es sorprendente si tenemos en cuenta que los autores del libreto son David Serrano, autor del guión del musical de mayor éxito de la historia en España, “Hoy No Me Puedo Levantar”, además de taquillazas como “El otro lado de la cama” y “Días de fútbol”, y Daniel Sánchez Arévalo, ganador de tres premios Goya con su primer largometraje “Azuloscurocasinegro”.

Pero si existe un momento cumbre en el espectáculo es la aparición de una drag queen que hace que el público se levante emocionado para aplaudir partiéndose las manos. Sin duda la joya más divertida.

Humor, amor, pasión, dolor y en definitiva todas las sensaciones que provoca el amor, están recogidas en “Enamorados Anónimos El Musical”

Si no quieres dejar pasar la oportunidad de verlo, acércate al Teatro Rialto, en Madrid y disfruta de uno de los exitazos del año en lo que a teatro musical se refiere.

Madrid regresa a los años 70 y revive la fiebre del disco en el Teatro Coliseum con el espectáculo Fiebre del Sábado Noche, que inicia a partir del 20 de febrero.

Transformado en una sala de baile, cambiando sus butacas por cómodas y luminosas mesitas, el teatro Coliseum de la Gran Vía madrileña está listo para que esté 20 de febrero regrese a la década mítica de los 70 y reviva las noches de fiebre, donde la música disco era la protagonista.

Fiebre nocturna

Quién no recuerda aquel film que mostraba a un joven llamado Tony Manero. El joven que, todos los fines de semana, se ponía una camisa de flores ajustada, pantalones de tela gabardina, zapatos de plataforma y, empapándose de colonia Brut, salía para la noche de fiebre de sábado en la discoteca de moda Odisea 2001.

Inspirada en los movimientos de campana, el tupé y el estilo discotequero de la película del mismo nombre protagonizada por John Travolta en 1977, la Fiebre del Sábado Noche promete revivir lo mejor de los años 70.

Ahora convertido en musical, Stage Entertainment trae a Madrid esta obra que ha arrasado los escenarios de ciudades como New York, Sydney, Ámsterdam, Londres y Buenos Aires. Está bajo la dirección de la coreógrafa Karen Bruce y su producción costó cerca de 3 millones de Euros.

Regresar a los 70

En el espectáculo, durante dos horas los actores cantarán y bailarán los famosos temas musicales de la película, como How deep is your love y Night fever de los Bee Gees.

Beatriz Ros dará vida a Stephanie Mangano, quién en el film del 77 era la talentosa y ambiciosa chica que trabaja en una discografía como pareja de baile de Tony.

También contará con la actuación de Sergio Arce (Tony Manero Alternante), Isabel Malavia (Annette), Skizzo(Joey), Guillermo Sabariegos (Bobby C), Isaac Gracia (Double J), Zenón Recalde (Monty), Adán Aguilar (Gus), entre otros.

El argentino Juan Pablo Di Pace interpretará a Tony Manero. El actor fue el ganador del Talent show realizado por Stage Entertainment y Telecinco con el propósito de encontrar el sucesor de John Travolta, en la operación Tony Manero.

Funciones

Las funciones se realizarán los martes, miércoles y jueves a las 20:30 horas, los viernes a las 22:00 horas, los sábados a las 18:00 y 22:00 horas y los domingos a las 18:00 horas. Recordar esta época tiene un costo de 24.90 euros, y como consecuencia una noche de fiebre para nunca olvidar.

Tres cintas españolas serán exhibidas en la sección Panorama de la Berlinale 2009, el festival de cine más importante de Alemania que se está realizando del 5 al 15 de febrero.

Sólo quiero caminar, Ander y Coyote son los tres títulos españoles seleccionados para la sección Panorama de la edición 59 del Festival de Berlín, la segunda más importante después de la Sección Oficial, donde se muestran las mejores producciones de cineastas emergentes. Este trío de cintas serán exhibidas junto a otras producciones extranjeras de Estados Unidos, Austria, Alemania, Japón e Indonesia.

Sólo quiero caminar

Aunque estaba nominada a once premios Goya y sólo obtuvo el de Mejor Fotografía, la película Sólo quiero caminar ha recibido muy buenas críticas por su inquietante y turbia trama que atrae al espectador durante toda su proyección. Es una historia de venganza y delito, cuatro mujeres ladronas que tratan de vengarse de unos narcotraficantes mexicanos planeando un gran golpe.

Esta película es una nueva producción de Agustín Díaz Yánez, el director de Alatriste (2006), y está protagonizada por Victoria Abril, Elena Anaya, Pilar López de Ayala y Ariadna Gil, que interpretan a las cuatro astutas ladronas que se intentan vengar de los narcotraficantes, caracterizados por Diego Luna y José María Yazpik.

Boomerang Cine, la compañía productora de la película, al anunciar su participación en el festival alemán, dijo que este sería ‘un primer paso en su carrera internacional’ con un film que ha sido todo un éxito en España. Sumamente cierto, porque la Berlinale le abre un gran camino a la película de Díaz Yánez.

Producción vasca

Su trama contrasta completamente con Sólo quiero caminar, pues Ander es la primera película euskera de temática gay dirigida por el cineasta Roberto Castón. Este film vasco narra la historia del tardío descubrimiento de la homosexualidad de un operario, que para su sorpresa se enamora de un inmigrante peruano que empieza a trabajar en su caserío en el valle de Arratia.

Una película que surgió como un encargo de Berdindu, el Servicio Vasco de Atención a Lesbianas, Gays y Transexuales, ha conseguido una gran notoriedad, pues aparte de participar en la Berlinale, está nominada por el Premio del Público, el Premio al Mejor Director Novel y el Premio Fipresci de la Crítica Internacional.

Documental español

En la Berlinale el cine documental español estará representado por Coyote, una historia sobre tres familias centroamericanas que intentan ingresar ilegalmente a los Estados Unidos. Este film dirigido por Chema Rodríguez lleva como título el nombre que reciben los traficantes que cobran por ayudar a los ilegales por cruzar la frontera. Es una historia de temática actual que expone la situación de los migrantes que hacen todo lo posible por cruzar a un supuesta vida mejor.

Sin duda el séptimo arte español estará bien representado por estas tres producciones que han recibido excelentes críticas en España y están nominadas para otros galardones importantes.