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“Grease, el musical de tu vida” continúa con sus representaciones en Madrid inspirándose en la obra original que crearon Jim Jacobs y Warren Casey en 1971 y que se convirtió en uno de los musicales que más tiempo permaneció en la cartelera de Broadway, siendo premiado, nada más y nada menos que con 12 premios Tony, los más prestigiosos del género.

Se trata de un musical cuya principal característica es la espectacularidad, con música en directo y más de treinta artistas sobre el escenario. Para ello, cuenta con un equipo artístico capitaneado por Ricard Reguant en la dirección, Coco Comin en la coreografía y Manu Guix en la dirección musical, quienes, por supuesto también han bebido de las fuentes de referencia que les ofreció el film que protagonizaron en la década de los 80’ John Travolta y Olivia Newton-John.

En los montajes teatrales norteamericanos los papeles han sido interpretados por John Travolta, Richard Gere, Patrick Swayze, o Brooke Shields. En nuestro país desfilaron por los castings más de 1.000 aspirantes de toda España.

Una historia de amor atemporal

Pero si por algo destaca de verdad este musical es evidentemente su banda sonora, que cuenta con éxitos que se han convertido en clásicos y que, a día de hoy, suenan continuamente en cualquier parte del mundo.

La historia de Grease se inicia en febrero de 1971, cuando dos jóvenes actores, Jim Jacobs y Warren Casey, se inspiraron en sus tiempos de estudiantes de instituto para crear un espectáculo. El título es un recuerdo al estilo de vida de los jóvenes norteamericanos de finales de los años cincuenta y juega con los significados de la palabra “grease” que en inglés expresa, al mismo tiempo, “gomina” y “grasa”, haciendo referencia a la comida fast-food que empezaba a popularizarse en aquella época.

Triunfitos el escenario

Dos productores de Broadway, Ken Waissman y Maxine Fox no tardaron en darse cuenta de todo el potencial que tenía la obra y decidieron trasladarla a Brodway, no sin antes obligar a los creadores a cambiar en algo el guión original, añadiendo nuevos temas y dando mayor peso en la producción a la historia de amor entre Danny y Sandy.

En esta ocasión el personaje protagonista femenino, lo interpreta una cantante conocida por todos Edurne, participante del concurso musical Operación Triunfo, que en su primera incursión en el teatro musical sin duda sorprende por su perfecta unión con el personaje sobre el escenario, al igual que el resto de sus compañeros.

Si queréis comprobar lo que os contamos podéis hacerlo en el Nuevo Teatro Alcalá en Madrid.

A nadie le sorprende que Blanca Portillo se atreva con cualquier proyecto que se le ponga por delante, ya que capacidades interpretativas le sobran, y las tiene más que demostradas.

Pero sorprende que en esta ocasión ose a reinterpretar uno de los clásicos, de la manera más rompedora, “Hamlet”. Ya en su momento, corrían los años 60, una auténtica dama de la escena de nuestro país, Nuria Espert, se atrevió con el príncipe de Dinamarca. En aquella ocasión los abucheos fueron más que sonados, aunque también es cierto que eran otros tiempos y escaseaba la libertad tanto de pensamiento, como de acción.

El nuevo montaje en el que aparece Blanca Portillo junto a otro impresionante actor, Asier Etxeandía, es uno de los que más expectativas a generado en la escena de nuestro país.

Montaje valiente

Portillo ha aclarado que lo que resulta más interesante del montaje no es tanto que una mujer interprete el papel de un hombre sino que se haga desde el punto de vista de una mujer criada como hombre y que es capaz de compartir ambas facetas.

Pero que Blanca haga el papel de un hombre no es lo único sorprendente, ya que el personaje de Claudio, habitualmente interpretado por un actor de edad madura, se encarga en esta ocasión alguien como Hugo Silva. O que el espectro del padre de Hamlet no sea otro que el también joven actor Asier Etxeandía.

Reparto joven pero de calidad

El reparto, curioso para una producción que tal vez tiene demasiados prejuicios sobre sus espaldas, lo completan la hija de Cristina Rota Nur Al Levi, Quim Gutierrez o Juan Diego Botto entre otros.

Davidelfín es el encargado del figurinismo, cosa que tampoco sorprende después de conocer algunos detalles del montaje.

Tomaz Pandur es el encargado de llevar al teatro de esta manera tan original uno de los clásicos de Shakespeare que más veces se ha adaptado e interpretado.

La mirada femenina que Blanca Portillo ha impreso al personaje de Hamlet y la dualidad entre ser hombre, sin serlo engañando al resto que desconocen su secreto es uno de las características más importantes, las que seguramente harán de “Hamlet” un auténtico éxito.

Muchos acudirán por el morbo, otros porque este montaje les apartará del miedo a los clásicos. No importa el motivo, el caso es que se acerquen hasta el teatro.

En las Naves del Matadero de Madrid hasta el 12 de abril.

 Parecía que la fiebre de los musicales que habían inundado la Gran Vía de Madrid durante los últimos años estaba descendiendo. Después de acoger montajes como “Jesucristo Superstar”, “La Bella y la Bestia”, “Hoy No Me Puedo Levantar” o “Cabaret” entre otros muchos, en los últimos meses la gran mayoría de estos musicales habían hecho las maletas y se habían ido con “la música a otra parte”. Nunca mejor dicho.

Vuelven los 70

Pero nos equivocábamos, además del nuevo musical de Nacho Cano “A”, que parece no haber gozado de demasiada suerte, en los próximos días tendremos la oportunidad de disfrutar del regreso de Tony Manero. “Fiebre del Sábado Noche” llega hasta el teatro Coliseum de Madrid, después de haber realizado un exahustivo casting entre miles de aspirantes. Incluso llegó a contar en su momento con un programa de televisión donde se podían ver las pruebas de todos aquellos que soñaban con emular a Travolta en uno de sus más famosos papeles.

La historia la conocemos prácticamente todos: Ambientada a finales de los 70 en un suburbio de Brooklyn en Nueva York, “Fiebre del sábado noche” se centra en la vida de Tony Manero.

Tony es dependiente en una tienda de pinturas durante el día y pasa sus noches en la disco local, Odyssey 2001 con sus amigos, ‘The Faces’. Y pasan este tiempo sobre todo bailando, su auténtica pasión. El resto del argumento: amor, lucha y afán de superación.

El montaje corre a cargo de una de las productoras musicales que más éxito ha cosechado en España, Stage Entertainmet, lo que nos da una idea del tipo de espectáculo que tendremos la oportunidad de ver. El coste ha sido de 3 millones de euros.

Actores y cantantes excepcionales

En este caso a diferencia de los anteriores espectáculos musicales a los que estamos acostumbrados, los precios de las entradas no son tan elevados. Pueden conseguirse desde 24,90 euros.

Algunos de los integrantes del elenco son muy conocidos por los seguidores de este tipo de teatro, entre ellos se encuentran: Alberto Vázquez (“Mamma Mía” o “El Diario de Ana Frank”) o Guillermo Sabariegos (“Grease” y “Jesucristo Superstar”) entre otros.

El Teatro Coliseum ha sufrido una enorme transformación para dar cabida a este musical, ya que la intención era conseguir que el espacio pareciera una auténtica disco de los 70, el “Odisea 2001”. Ocupen sus butacas porque el espectáculo está a punto de comenzar…

Hemos podido disfrutar de esta obra de teatro más de una vez y seguramente sin que en ninguna de la ocasiones nos haya defraudado. Tiene la peculiaridad de que es la obra más representada de la historia del teatro de un autor vivo.

 Escrita por Yasmina Reza, “Arte” se estrenó en 1994, ha sido traducida a 35 idiomas y representada durante más de 15 años. En esta ocasión los intérpretes que llegan a Madrid, después de varios meses de gira por toda España, para que disfrutemos del excepcional texto son Luis Merlo, Alex O’Dogherty e Iñaki Miramón. Todos ellos con una carrera interpretativa de gran importancia tanto en cine, televisión como en el propio teatro.

 Más de una década de representaciones

 El espectáculo es de larga duración, más de dos horas en el patio de butacas disfrutando de lo que en principio, debería ser un argumento sencillo: Sergio compra un cuadro completamente blanco, sin nada más, por una enorme cantidad de dinero lo que molesta enormemente a Marcos y coloca al tercero en discordia Iván, en una posición nada sencilla entre sus dos mejores amigos.

 Sin embargo este argumento se complica cuando comienzan las tensiones entre los tres inseparables amigos, dejando ver que las relaciones entre las personas no siempre son tan fáciles como pueden parecer, lo poco que nos conocemos a nosotros mismos o lo mucho que valoramos cosas que sin embargo carecen de importancia.

 Drama, sarcasmo, ironía, sátira y comedia se mezclan en un texto que no deja al espectador frío ante nada de lo que sucede en el escenario. Las miradas cómplices entre el público que reconoce algunas de las situaciones puestas en escena, provocan una conexión casi inmediata.

 El poder del blanco

 Para los que vieron la obra protagonizada en su momento por Josep María Pou recomendamos que dejen los prejuicios a un lado, ya que aunque la personalidad del gran actor aportó una gran calidad al montaje, los tres actores que se han embarcado en esta nueva aventura no tienen nada que envidiarle.

 El éxito de la obra ha sido respaldado por crítica y público, además de haber sido interpretada por actores de la talla de Ricardo Darín, lo que da una idea del tipo de espectáculo que tendremos la oportunidad de ver en el Teatro Alcázar a partir del 13 de febrero.

 Lo que más impresiona de esta obra es la sensación con la que se sale de ella. Sin darnos cuenta hemos pasado más de dos horas reflexionando sobre todo lo que allí acontece, llegando a conclusiones que no habríamos imaginado antes de entrar…

Llega a Madrid, Teatro Maravillas, la obra de teatro Mi primera vez. Tras una gira por España, intentarán conquistar la capital del Reino con sus historias y su gran trabajo actoral.

El argumento

Hace ya años que a Ken Davenport, productor de Broadway, se le ocurrió abrir una web para que la gente contara su primera vez. Consiguió miles de visitas y a raíz de las mismas fue dibujando a los personajes que posteriormente darían forma a esos mensajes sobre el escenario.
En España se hizo lo mismo, Gabriel Olivares creó www.cuentametuprimeravez.com y ha recibido más de 40.000 visitas. En la obra, el 20% de lo que se cuente será la versión patria y el 80% restante será la versión americana de la obra.

El elenco

Javi Martín, Miren Ibarguren, Bart Santana y Mar Abascal, son los cuatro protagonistas de esta obra. Ha cambiado en la versión española el montaje escénico. En Estados Unidos eran monólogos, aquí la escenografía, aunque reducida a cuatro taburetes, consta de proyecciones en video para ubicar la acción.

Según sus declaraciones al diario El mundo, el director, Gabriel Olivares opina que: “es una propuesta más teatral que la de EEUU. No queríamos hacer monólogos, queríamos contar historias, por eso hemos creado personajes y hemos ambientado las escenas”.

La interacción está asegurada. Al entrar se nos dará una tarjeta para que contemos nuestra experiencia personal, la que más les guste se representará esa misma noche. Pero hay más, si alguien convence a un psicólogo que habrá en el teatro de que es virgen, entrará gratis a la obra.

Opinión

En un país algo pacato para este tipo de propuestas consideramos altamente positiva la oferta que nos hace la compañía. El sexo vende, digan lo que digan, y es una forma más de expandir nuestra mente, sentirse libre y ganar en salud. Por eso sería interesante ir a ver la obra, no sólo por los recuerdos sino para conocer también el ambiente que se puede crear en el teatro al hablar de algo tan íntimo. En Broadway, la versión estaba mucho más retocada pero en España esperamos que no haya censura a la hora de hablar de estos temas.

Por lo tanto adiós a los prejuicios y a recordar viejos tiempos. Las entradas cuestan entre 18 y 20 euros. Teatro Maravillas, Malasaña 6, Madrid. Las risas, las emociones y las sensaciones están completamente aseguradas. Como en tu primera vez.

Llega el fin de semana, ¡Por fín el tiempo de descanso! ¡Qué lindo no hacer nada! ¡Nada mejor que mirar el techo, no pensar en nada!, pero si eres activa y no hacer nada te aburre. Podés quedarte en tu casa y jugar a la play, escuchar música o si te gusta salir podès ir al cine, ver un espectáculo teatral, a la cancha, recorrer el centro comercial mirando vidrieras o salir a comer a un tenedor libre.

Aquí tienes siete ideas para pasar el tiempo libre y no morir en el aburrimiento. Hay para todos los gustos:

• Opción I: Jugar a la playstatiòn. Podés invitar a tus amigos y organizar una competencia. Elegí los juegos que màs te guste y preparà una picadita (no debe faltar: Salamìn, palitos, aceituna, rabas, papas fritas, queso, maní, en fin debe tener de todo un poco, y por supuesto la bebida que màs te guste.

• Opción II: I r a la cancha. ¡Nada mejor que ir a ver al club de tus amores! Comprà las entradas antes así no tenès que ir temprano y hacer la fila para sacarla. Lleva la ropa adecuada, nada ostentoso (así no te roban) y por supuesto la camiseta de tu equipo.

• Opción III: Mirar vidrieras. Salí a recorrer algún centro comercial. Podés probarte ropa, no hace falta que compres nada. ¡Eso si las vendedoras te van a odiar!, pero si podès vivir con eso, no hay problema.

• Opción IV: Ir a comer a un tenedor libre. Si elegís esta alternativa tenés que tener en cuenta algunos consejos: Una semana antes empezà a comer liviano, así cuando vayas te rinde. Elegí un restaurante que tenga una gran variedad de platos. Pedí que te recomienden uno donde se come rico (podès preguntarle a tus amigos si sabèn de alguno.

• Opción V: Ir al cine. Podés ir a ver una película y luego, a comer. En la semana mirà la cartelera y sacà las entradas anticipadas.

• Opción VI: Podés ir a ver una obra de teatro. Mirá la cartelera y elegí la que más te agrada.

• Opción VII: Escuchar música en la comodidad de tu casa

Lo importante es que planifiques bien lo que vas a hacer, así no gastas tu tiempo pensando que hacer y para que después no te aburras. Podès disfrutar tu tiempo libre solo o compartirlo con amigos.

El Centro Andaluz de Teatro estrenará El rey Algeciras, una obra que trata sobre los problemas de la inmigración, la corrupción y el tráfico humano.

Francisco Ortuño, director del Centro Andaluz de Teatro (CAT) estrenará El rey de Algeciras en San Roque (Cadiz) los días 5 y 6 del presente mes, bajo la dirección de Julio Fraga, y contará con sesiones programadas para las localidades de Chiclana de la Frontera y La Línea de la Concepción.

El rey de Algeciras es una obra de Juan Alberto Salvatierra estrenada durante el año 2003, pero retomada por el CAT con motivo de su vigésimo aniversario. Fue revisada y actualizada con el fin de difundirla y revalorarla en el contexto de la nueva dramaturgia de Andalucía. La obra será interpretada por los actores Sergio Domínguez Parreño, Marisol Membrillo, Aníbal Soto, Olga Salut, Miguel Zurita, Manuel Monteagudo y Salvador Reina.

El escritor Juan Salvatierra nació en 1978 en Algeciras (Cádiz). Es Licenciado en Arte Dramático en las especialidades de Dramaturgia e Interpretación y Dirección de Escena.

El argumento: una ciudad victimada y la inmigración

Esta obra plasma una visión personal e intransferible de la política y la sociedad de Algeciras. La ciudad aparece como víctima, con personajes deambulando sin rumbo y personas en espera de nadie. En la obra se tratan problemas de inmigración, corrupción y tráfico de seres humanos que, según el director Julio Fraga, son asuntos comunes en cualquier parte del mundo.

Entre los “personajes desesperados” que recrea la obra están los guardias civiles, los camellos, las prostitutas e inmigrantes, quienes se balancean entre el humor y la cruda realidad. La trama se sitúa dentro de una visita oficial del Rey de España a esta localidad.

La realidad del racismo

El director espera una obra fresca, con fuerza, que gire alrededor de la verdad (objetivo de cualquier obra de teatro). La obra es para todos los públicos, pero dedicada principalmente para los adolescentes, en los que actualmente se observan instintos racistas contra los inmigrantes, puesto que la obra expone una denuncia social contra la situación de los inmigrantes.

En el Teatro Juan Luís Galiardo de San Roque será estrenada la obra, los alumnos de secundaria del municipio tendrán la oportunidad de disfrutarla en forma gratuita el día 5 al medio día. El público general podrá ver la obra el día 5 a las 21:00 horas a 15 euros por butaca.

De otro lado, El rey de Algeciras llegará el día 8 al Teatro de La Velada de La Línea y el día 11 se trasladará hasta al Teatro Moderno de Chiclana. Una magnífica obra que no puede dejar de verse, aunque sea pocos los días de exhibición.

El vigésimo quinto aniversario de la compañía de teatro La Cubana llega a Madrid. Será hasta el 7 de febrero en la Gran Vía donde representen un clásico de su repertorio, ‘Cómeme el Coco Negro’.

Historia de la obra

Esta obra fue estrenada en 1989 con un elenco de lujo. Actores como José Corbacho comenzaron en esta compañía cuando apenas era conocida. La obra comienza con una gran sorpresa para el espectador y se desarrolla como una verdadera espiral de locura y diversión.
Bajo el prisma deformante de la caricatura, se pone a todos los componentes de una compañía teatral. Así pues podemos ver desde a la primera actriz, Mimi Lumiere, a las costureras que están hartas ya de aguantar tanta humillación.
Es un homenaje a los desaparecidos teatros de revista, de variedades, ambulantes que iban de pueblo en pueblo buscando siempre la sonrisa del público. Era esa la escuela de formación de los actores de entonces.
Por eso es quizás otro de sus chistes el que hayan optado por ubicarse en la Gran Vía, ahora poblada de traducciones de musicales americanos, que han provocado que la gente vuelva en masa al teatro en detrimento de otros géneros tan españoles como la revista, la zarzuela o la comedia de siempre.

Teatro made in La Cubana

Pero La Cubana, como es normal, no se queda sólo en el homenaje a aquellos cómicos de la legua, sino que remueven el género teatral para que el espectador entre en la representación desde que un actor le corta la entrada hasta que la obra finaliza.
Por eso la visita es obligada, no sólo por el buen rato que nos hacen pasar, sino por la calidad de los textos, las interpretaciones geniales y el buen rollo que transmiten en todas sus actuaciones.
Para ellos el teatro es el escenario, pero al completo, pasillos, butacas, palcos, hall y todo lo que se pueda imaginar. Es como los trenes fantasma de los ‘70, se sabe que se ha entrado pero no dónde está la sorpresa que nos cautivará. Por eso esta obra ha tenido tanto éxito, porque transporta al espectador a otros tiempos en los que el teatro era no sólo una forma de distraerse sino todo una forma de vida, una comunión de los actores con el público y toda una experiencia inolvidable.
Os lo recordamos, tenéis sólo hasta el 7 de febrero para acudir a la cita con estos magos del humor. Seguro que nos lo agradeceréis.

Jorge Dubatti realiza una serie de reflexiones muy interesantes en “Teatro y producción de sentido político en la postdictadura. Micropolíticas III”. Al hablar del Teatro comunitario nos dice que este tipo de agrupaciones teatrales no trabajan por el éxito inmediato ni por el individualismo sino que, por el contrario, desarrollan una labor intensa y dedicada con objetivos concretos de realización social y de trabajo en equipo en los barrios, contra la pérdida de praxis social.

Temas y metodología
Lo más común que se ve en los relatos de estos grupos son las historias de los barrios de pertenencia y sus mitos, el valor del trabajo, de la justicia y la libertad, el derecho a la salud y a la educación, los momentos claves de la historia de las comunidades de cada grupo con el objetivo de rescatar la identidad y la memoria colectiva.
Pero las historias verdaderas no son la única temática abordada por los grupos de teatro comunitario, sino que varios de ellos parten de textos de autores conocidos al que adaptan sus necesidades. Incluso citan a autores clásicos y toman solo el eje argumental, ampliando el tema hacia hechos recientes.
Por otro lado, siempre está presente el sujeto colectivo en las temáticas del teatro comunitario, por ello son comunes las tramas vinculadas con la memoria popular que forman parte del imaginario colectivo del lugar. En este sentido se nota un alto grado de pertenencia a la región, no sólo por parte de los actores sino que además se exige pertenencia al público para poder comprender los temas tratados en la obra.
Otro aspecto de las temáticas es que se desarrollan siempre desde la comedia o la tragedia, y nunca desde el drama psicológico individual porque el protagonista es el sujeto colectivo. Las historias contadas son especialmente las que no se saben por todos o que permanecieron ocultas y conocidas sólo desde un lugar academicista. Entonces, no se muestran en ellas héroes absolutos ni protagonistas en sus aspectos individuales y/o anecdóticos.

Gestión y recursos
El teatro comunitario es auto-convocado y auto-gestionado, genera sus propios recursos para lograr mantener así su libertad e independencia. Esto no quiere decir que no busquen la ayuda de subsidios. No obstante, desde su hacer y organización, el teatro comunitario proporciona las herramientas para que en el ejercicio de la práctica actoral y técnica concreta se aprendan también a gestionar apoyos estatales y/o privados.
La mayoría de los grupos de teatro comunitario trabajan sin apoyos ni subsidios, se mantienen con las recaudaciones que obtienen al finalizar el espectáculo, realizados en lugares públicos como las plazas, y con el aporte mensual que cada integrante del grupo puede hacer.

El teatro comunitario surge en la Argentina como necesidad de un grupo de personas de determinada región, barrio o población de reunirse, agruparse y comunicarse a través de las distintas expresiones artísticas que reúne, siendo la música, el baile y la plástica cualidades integrantes del mismo. Sin embargo, es un fenómeno que se dio en otras partes del mundo como son los casos de grupo uruguayos, chilenos, italianos y españoles, teniendo en cada país sus particularidades.

Los grupos de teatro comunitario no tienen ningún tipo de afiliación religiosa o partidaria. Por otro lado, son construidos por sus integrantes como de y para la comunidad y por tanto no los conciben como un pasatiempos sino como una forma de producción, un espacio para la voluntad de hacer o de construir.

Sus integrantes

Los integrantes de una agrupación teatral comunitaria se denominan vecinos-actores, son amateurs en el sentido francés de la palabra porque hacen lo que aman y no reciben dinero por ello. Aún así, realizan talleres donde practican habilidades técnicas del trabajo actoral (canto comunitario, técnica vocal, coreografía, habilidades propias de la técnica del payaso, humorismo) de manera de llegar de forma clara y directa al público. Desde la experiencia y el proceso de desarrollo del trabajo artístico y colectivo, cada integrante experimenta, en su respectivo tiempo, el crecimiento de sí mismo y, en consecuencia, el de su entorno.

Los integrantes de las agrupaciones de teatro comunitario son numerosos, reúnen un mínimo de 30 y un promedio de 80 vecinos-actores por grupo sin discriminación de edad ni condición social. La clave de la masividad reside en que este tipo de teatro no es de un artista, sino que es un hecho colectivo que debe hacerse con otros. Sus integrantes descubren que su individualidad crece con el otro, y que lo colectivo se enriquece con el aporte de cada individualidad.

Los coordinadores

En toda agrupación artística comunitaria debe existir la figura del coordinador o director que puede ser más de uno, según el número de los integrantes de los grupos o según el tipo de proyecto que se prepare. Estos son designados o elegidos por el mismo grupo; son los vecinos mismos los que le otorgan el rol a la figura del director.

El director es quien tiene experiencia en el campo teatral y tiene la mirada global del espectáculo que se prepara, por eso es el encargado de establecer pautas, condensar, organizar y coordinar los materiales surgidos en el proceso de creación colectiva, participar de los procesos de cada uno de los vecinos-actores y trabajar para la comunidad dado que lidera un proyecto con un criterio artístico para una nueva organización vecinal.